CLXXIX. Paavoharju | Yhä Hämärää

PAAVOHARJU

Yhä Hämärää

©Fonal. Suomen Tasavalta, 2005.

‟My notion of "Christian music" was built from my experiences in church sermons and Christian summer camp and it's agonising acoustic sing-alongs about some deep philosophical insight about a cloth made out of rags. Thankfully Paavoharju doesn't take cues from that most of the time, but more from traditional finnish hymns, without the soul crushingly boring sermons.

Yhä hämärää is like listening to a cassette you found lying inside a table drawer inside a lone abandoned wooden house somewhere in the Finnish Carelian countryside on a cold autumn day. A soundtrack to some old loner's melancholic memories. From touching lo-fi post-rock - "Valo tihkuu kaiken läpi" being a prime example and top pick - to folk acoustics with glitch electro sprinkled on top. What comes to comparisons, Xinlisupreme comes closest with their more calmer tunes. (Indeed, some surfing on Paavoharju reveals them as a confessed influence.)

The album doesn't have any real flaws, some tracks maybe being a bit too vague to make them memorable. But as a whole, it's definitely an experience, the album also not suffering from "let's cram stuff in this CD to it's full capacity" syndrome, which is always a plus in my book. And it sure beats those annoying sing-alongs. Something even a confessed atheist can enjoy.‟

Cthulhu

CXLVII. Eyeless In Gaza | Drumming The Beating Heart

EYELESS IN GAZA

Drumming The Beating Heart

©Cherry Red. UK, 1982.

‟After this side one is left almost in ruins, and "Dreaming at Rain" can only really rake through the embers (it's an instrumental that harks back to the sounds on Pale Hands). Needless to say, for a duo Eyeless in Gaza shaped a huge sound and in certain key ways I think this LP (and "Photographs as Memories") are amongst the most unique from the time.   

Whilst this is admittedly a consequence of their songwriting it's also due to their choice of instrumentation. Like "Photographs as Memories", the arrangements on "Drumming the Beating Heart" are spare, sparse and manage to spear the heart accurately. One key texture that you won't find on Photographs however is the strange, emotive tremolo string sound that darkens every corner of "Drumming the Beating Heart". This comes from a keyboard called a Gem Europa. I only know this because I emailed Pete Becker and asked him! The tones created by this portable, late '70s organ were probably intended for quite other uses than furnishing the efforts of a duo positioned at the poetic end of post-punk. In their hands it sounds a little like a cross between a Mellotron and the synth used by Joy Division on Closer's Decades. In other words, it's a mournful, minor key piece of machinery that seems custom built for songs like "Picture the Day" and "One by One". Indeed, I doubt whether the band would've written them without it.

The more I think about it, the closer I come to concluding that the first side of "Drumming the Beating Heart" has one on the strongest openings of any LP. Those first four songs are perfectly sequenced and there's very little between them in terms of raw quality. Underpinned by a percussive, pulled bass line "Transience Blues" brings a set of cold atmospherics that are sustained throughout side one. True, I do have a something of a taste for songs about rain and night, particularly when they're as passionate as this! Its stormy reflections provide the perfect soundtrack to lonely winter evenings. Then track two, "Ill-Wind Blows", introduces a slight note of calm. It's the stillness before the real storm arrives, maybe. And "One by One" sustains this mood. With its vaguely menacing rhythms and cascading, candlelit organ chords (the Gem Europa again) it creates probably the most haunting song ever written by the band.‟  

Trevor Machine

CXL. Hybryds | Dreambient

HYBRYDS

Dreambient

©Aquarellist. Rossíya, 2008.

‟The first studio album of Hybryds since "Electric Voodoo" (2002), "Dreambient" is based on exploration of the female characters from the Pagan past: archetypes of the seducer, the demon, the girl, the whore, the slave, the mistress, the priest, the mother... The music of the project has become more accessible for unexpirienced listeners: traditional ambient-ritual basement is enriched with rhythmic electronics, melodic synthesizer tunes and even guitar parts. Vocals are now done by Madeline Arndt from the German darkwave/gothic band Schattenkinder. One hour DVD contains "The Photoshop art of Sandy Viktor Nys", the erotic esoteric videos from Hybryds mastermind - "Religion and erotica melds together on the stage of Eros and Thanatos". The release limited to 1000 copies comes in a double digipak with full-colour booklet.‟

Indietective 

 

CXXXVI. Labradford | Labradford

LABRADFORD

Labradford

©Kranky. US, 1996.

‟Pongámonos en situación, en el capítulo de presentación. Labradford fueron, y digo fueron porque, como formación sus días acabaron hace ya una década, un trío estadounidense que durante un puñado de años intentaron buscarse el pan haciendo discos. Su lugar vino a ser aquel que navegaba entre el post-rock y, sobre todo, el ambient, terrenos terriblemente áridos en los que pocos pudieron subsistir, y que apenas dieron mucho que hablar. Ahí estuvieron gente de características análogas, como Godspeed You! Black Emperor, que crecieron junto a nuestro grupo de hoy. Labradford llegaron a publicar cinco discos, de los cuales hoy nos ocupa el tercero, que, junto con el siguiente Mi Media Naranja (1997), formaron el momento cumbre de su breve carrera.

Labradford (Kranky Records, 1996) es un trabajo compuesto por siete cortes, que crean un discurso único, en el que la oscuridad, misterio y temor acaban convirtiéndose en protagonistas. No los engañaré, a Labradford hay que masticarlo mucho. Es una película subtitulada de cine iraní, de esas que cuestra tragarse cuando no tenemos el cuerpo preparado para retos. Menos aún si “Phantom Channel Crossing“, su primer tema, nos pone las cosas tan claras. Que nadie espere eso de los machetazos de guitarra de gente como los propios GSYBE, o Mogwai. Labradford cultivan la sutileza de esa maravilla llamada “Midrange“, que continúa en trabajo, o de “Pico“, dúo que componen los mejores momentos de este trabajo.

“The Cipher” corta el álbum en dos pedazos, como mera transición, y “Lake Speed” estremece desde la primera escucha. Probablemente fue con temas como este con los que la etiqueta ambient cobró más sentido que nunca. “Scenic Recovery” complementa con eficiencia el toque místico y misterioso de Labradford, mientras que la final “Battered” redunda en la atmósfera fangosa, en el mundo diseñado por un Stephen King metido a compositor… en un disco no apto para perezosos‟

Dr. Chou

 

CXVII. O Yuki Conjugate | Sunchemical

O YUKI CONJUGATE

Sunchemical

©Staalplaat. Nederland, 1996.

‟Han pasado alrededor de 10 años desde su ultimo álbum de remezclas “Sunchemical” [Staalplaat, 1996] y la tercera encarnación de O Yuki Conjugate, compuesta por dos de sus miembros originales Roger Horberry y Andrew Hulme, más la incorporación de un nuevo integrante, el guitarrista Rob Jenkins componen una nueva y magnífica obra de ambient con el título de “The Euphoria of Disobedience” [OYC, 2006].

OYC fue fundado en 1982 en Nottingham, Inglaterra por Tim y Roger Horberry y Andrew Hulme. El grupo ha editado cuatro álbumes y han tenido lugar tres formaciones diferentes y en el ínter tanto se separaron en dos ocasiones. Sus miembros realizaron sus propios proyectos como A Small Good Thing de A. Hulme, Alp de R. Horberry y la segunda encarnación de OYC compuesta por Dan Mudford, Pete Woodhead y Joe Gardiner formaron Sons Of Silence. Actualmente Hulme continúa con ASGT, Horberry con Alp y Rob Jenkins con Stone Idols.

“The Euphoria of Disobedience” marca un sonido más orientado a ambientes ausentes de ritmos étnicos, experimentación con la guitarra, sonidos abstractos y percusión oriental.

Esta es la segunda entrevista con OYC con su miembro Andrew Hulme. La primera se publicó en 1994 en el fanzine chileno “música marginal”, proyecto que da origen a loop.cl.‟
 

Oyukiconjugate

Guillermo Escudero

LXXIII. Dollboy | Ghost Stations

DOLLBOY

Ghost Stations

©Second Language. UK, 2010.

‟Una ‘Estación fantasma’, de acuerdo a Wikipedia, es la traducción usual de la palabra alemana Geisterbahnhöfe, termino usado para describir ciertas estaciones del metro de Berlín (la U-Bahn y la S-Bahn) que fueron cerradas durante la división de la ciudad durante la Guerra Fría. El término, desde entonces se usa para describir cualquier estación en desuso en una línea de tren subterráneo. Por otro lado, Dollboy es el seudónimo del músico inglés Oliver Cherer, músico con tres discos largos hasta la fecha, para empresas como Static Caravan o Arable. Finalmente, “Ghost Stations / Geisterbahnhöfe” es aquello que une ambos conceptos, es el nombre del último trabajo de Dollboy, el primero para Second Language.

El disco, como era de suponerse, hace referencia a esas estaciones abandonadas, tanto a las de la capital alemana como a las que existen en cerca de su hogar en Londres. Usando grabaciones de campo registradas en lugares antes habitados, lo que Cherer hace es recrear esos parajes donde el encuentro furtivo arriba de un viejo ferrocarril no se produce en mucho tiempo, intentando revivir la atmósfera que existía en esas estaciones que unían acercaban y ciudades sobre explotadas por personas que hoy solo viven en los recuerdos. El álbum solo contiene dos canciones de largo aliento. La más extensa, “Down Street/ York Road/ South Kentish Town/ Brompton Road/ Bull & Bush/ Strand” recorre las estaciones de Londres a través de ciertos toques de jazz pop, según como lo entendía Mark Hollis, pianos de juguete, cajas de música, ambient desolador y pianos muy desolados. “Warschauer Strasse/ Jannowitzbrucke/ Potsdamer Platz/ Oranienburger Strasse/ Unter Den Linden” utiliza mas o menos los mismo recursos, más algo de electrónica casera y algunas trompetas un tanto difusas. En ambos casos, en ambas piezas queda la sensación de oír remembranzas de pasajeros ausentes, el ruido de almas muertas hablando entre paredes gastadas, en forma de la nueva tradición post-clásica, exibiendo las influencias de Brian Eno –la primera vez que Dollboy está tan cerca de él–, electrónica alemana e incluso como apunta la hoja de prensa, con mucha razón, el disco Gavin Bryars “The Sinking of the Titanic” (Obscure, 1975), disco que también intenta recrear habitaciones muertas.

Con sonidos que recurrentemente evocan melodías pretéritas y tonalidades entre sombras, “Ghost Stations / Geisterbahnhöfe”, o el ruido de fondo del subsuelo, esboza siluetas de música espectral. Partituras borrosas para estaciones fantasmas. “He intentado imaginarme los espíritus de aquellos que pudieron haber pasado a través de ellos: persona que viaja diariamente al lugar de trabajo, vividores, espías, y los restos en descomposición de orquestas de baile fantasmales”. El eco del pasado retumbando entre trenes quietos y paredes vacías.‟

 Hawái

 

 

LXX. Lovesliescrushing | Voirshn

LOVESLIESCRUSHING

Voirshn

©Projekt. US, 2002.

‟Lovesliescrushing returns to Projekt with a special mail-order-only release. This CD will not be available in stores. It's the second in a new series of discs from Projekt, presenting excellent music available especially for the fans via our website. This arrangement bypasses the hassle and frustration of retail and makes the music available directly to you.

On their newest album, Voirshn, Lovesliescrushing (one of the few remaining representatives of the 'shoegazer' genre) continues their trend further from the traditional rock elements that characterized earlier dream pop bands. From the beginning, instrumentalist Scott Cortez and vocalist Melissa Arpin distanced themselves from the genre by rejecting conventional song stuctures in favor of an intensified version of the meandering sound that was forcefully inaugurated by MBV's classic Loveless. In Lovesliescrushing, this aesthetic has gradually approached pure ambience. Nevertheless, their typically warm guitars counterveil this tendency even with the absence of percussion and song structure. On Voirshn, their 4th recording, both are either minimal or entirely absent; wordless female vocals drift in and out while 'electronic beats' - guitarnoise softened by semi-lo-fi production - occasionally interrupt a wash of guitar. Although consistent in style, the album avoids sounding like one continuous song through adequately diverse guitar sounds ranging from the lush vibrant tone of the opening track 'glixen' to the subdued quasi-detatched feel of 'sovfx'. Overall, Lovesliescrushing continues to exist between the worlds of shoegazer and ambience, although the ascendant former has once again conceded to the latter. This is pure glitch-bliss.

Lovesliescrushing. [Voirshn] is a synthesis of processed ambient gloss and lo-fi grit, creating a digital-analog hybrid that Scott terms 'glitch-bliss'. Songs were compiled from a palette of sonorities extrapolated from a collection of voice and guitars, warped into rumbling subsonics, staticblast hiss, hazy chord clusters, extended infinite tone loops, melody spirals, avian-like whistles, glistening overtones, voices cut-up into splintered fragments, thoughtforms suspended over warm tonesheets like a ghost cloud, indistinct and luminous. Still eschewing bass and drums, rhythmic elements are culled from filtered guitar tones mutated into stroboscopic pulsations and digital dust clickings. Once again guitardamage is wrought upon six-strings, manipulated, deconstructed, reassembled to create bloodrush pulses reminiscent of a softly humming embryonic landscape of digitized lullabies.‟

 Projekt